Современное искусство: в каких направлениях работали художники в течение столетия?
Под понятием современного искусства понимают все течения и направленность жанров, используемые авторами в работе на протяжении периода с конца 20 века и по сегодняшний день. Во времена глобализации и появления новых технологий художники получили больше «инструментов», что позволяет им создавать настоящие шедевры. Современное искусство наполнено разнообразием и индивидуальностью, в нём могут совмещаться разные жанры и культуры разных наций, что позволяет авторам самовыражаться по максимуму, поднимая актуальные темы.
В нынешнем искусстве есть множество течений, большая часть из которых формировалась ещё в далёкие времена. К ним на регулярной основе добавляются новые направления, о которых мы и поговорим по тексту ниже.
Современное искусство как понятие?
В западных странах современное искусство принято называть art modern и contemporary art. Первый термин используется для творчества с конца 19 и до середины 20 столетия. Второй же применяют для произведений, созданных в период с окончания войны и нынешнего времени.
Но сейчас подобное разделение уже малоактуально, т.к. многие из работ постепенно переходят в историю прошлого. В особенности это влияет на музеи, т.к. их приобретения постепенно устаревают.
Сегодня большинство относит к контемпорари арт произведения, которые создавались в течение последнего полувека.
В русском языке нет точного определения современного искусства, ровно, как и конкретных временных рамок. Понятие часто используют в отношение к произведениям 20 и всего 21 столетия. В 90-е стали использовать термин «актуальное искусство», но он в большинстве применяется для новых либо радикальных техник. Да и сегодня данное понятие потихоньку теряет актуальность и применяется значительно реже.
Под современным искусством нередко понимают и творчество авторов, живущих сейчас и на данный момент продолжающих творить.
Признаки современного искусства
Услышав слово «импрессионизм» многие сразу вспомнят про таких личностей, как Клод Моне или Огюст Ренуар. В период высокого возрождения было много творческих течений, для каждой из которых характерны определенные признаки. Но данное правило уже перестало работать. Факт того, что художник творит сейчас уже не говорит о его стиле, технике и тематике произведений.
Но характерные черты всё же есть, и заключаются они в следующих пунктах.
- Широкий набор техник и материалов, начиная от популярных и до современных. Постоянное появляющиеся новшества.
- Новые тематики для творчества.
- Взаимосвязь культур разных народов, влияющих друг на друга в режиме онлайн, посредством международных выставок и переезда художников из страны в страну.
- Смешивание популярных стилей с новыми направлениями, что позволяет воплощать разные задумки.
- Расширение понятия «современное искусство» благодаря добавлению к популярным направлениям новых сфер. К примеру, дизайн либо создание комиксов.
- Направленность арт-объектов на прямое взаимодействие со зрителями.
Популярные художники современности
Сейчас продолжают творить многие известные личности, которые начинали свой путь порядка 50 лет назад. Вместе с этим появляются и новые авторы, которые стремительно завоёвывают популярность. Мы представим вашему вниманию нескольких из них.
- Герхард Ритхер. Художник родом из Германии, которому недавно исполнилось 90 лет. За время жизни он прославился работами в жанрах поп-арта, абстракции, минимализма и фотореализма. Несмотря на возраст он продолжает творить, используя новые техники в процессе работы.
- Яёи Кусама. Японка, которая пишет картины, создаёт скульптуры и различные инсталляции. Её работы часто попадают на аукционы, благодаря чему она стала одной из наиболее дорогих художниц современности.
- Дэвид Хокни. Дэвид также больше за 90 млн. $. Сейчас Хокни продолжает творить, в большинстве создавая свои работы с использованием смартфонов и планшетов от Apple.
- Аниш Капур. Автор из Британии, работающий в абстрактном стиле. Недавно ему разрешили пользоваться «самым чёрным цветом» в творчестве, для получения которого применяют технологию Vantablack.
- Джефф Кунс. Американец, который создал множество концептуальных стальных фигур, имитирующих пластик. Самым известным его произведенеим стала «Собака из шариков».
- Дэмьен Херст. Является членом объединения «Молодые художники Британии». Известен во всём мире он стал благодаря работам с умершими животными. К примеру, «За Любовь Господа» — скульптура имеющая вид черепа, усыпанного бриллиантами.
- Бэнкси. Этот художник из Британии является настоящим анонимом, который предпочитает не разглашать подробностей личной жизни. Он творит в стиле уличного арта и в своих граффити поднимает «острые» для общества проблемы.
Увидеть современные произведения можно в ряде мировых музеев. Например, посетив лондонский «Тейт» либо российский «Гараж», расположенный в столице.
Направления современного искусства
Сегодня можно выделить множество направлений. Перечисление займёт много времени и для этого потребуется создать не одну публикацию. Поэтому мы решили рассказать о наиболее популярных движениях, зарождающихся во время борьбы за независимость и походу конфликтов политического характера.
Бенгальская школа (Индия и Бангладеш, 1900-е)
Ананда К., являющийся культурным теоретиком в начале 19 столетия писал: «Наше национальное движение слабо из-за того, что не пропитано любовью к Индии. Многие, к сожалению, испытывают аналогичное чувство к Англии. Они в восторге от процветающей там буржуазии. Она может возникнуть и у нас, если каждый начнёт изучать достаточное количество наук и забудет про многие искусства. Только в таком случаем Индия сможет стать достойным конкурентом не только Англии, но и другим государствам Европы».
Такое направление мысли вызвали политические разногласия в Бенгалии. В конце 1800-х наблюдалась особо ожесточённая борьба за свободу этих земель. Эпицентром антиимпериалистических разногласий стали художники, представляющие калькуттскую школу искусств. В основе их пропаганды лежал мистицизм современного искусства, а он, в свою очередь, был основан на восточных техниках при полном отвержении западных веяний.
Во главе бенгальской школы стоял Абаниндранат Тагор, являющийся известным мыслителем периода Возрождения. Он вдохновлялся японским искусством того времени, в котором многие работы создавались с использованием туши, что позволяло создавать качественные картины. Именно с использованием данной техники были созданы произведения «Бесконечное путешествие» Абдура Рахмана Чухтая и «Китайская девушка» из коллекции Джейн и Кито де Бур, демонстрирующие соединение многих восточных техник.
Нишада Авара, занимающий должность руководителя офиса продаж в южноазиатском центре искусства заверяет, что бенгальская школа сыграла далеко не последнюю роль в формировании южноазиатского искусства. Художники современности нередко вдохновляются произведениями Ганешы Пайны.
Страйдентизм, Мексика, 1920-е
В декабре 1921 на стене одного из столичных домов Мексики появился манифест, написанный Мануэлем Майплс Арсе. Он был максимально провокационным и завёл жителей. Моментами казалось, что вот-вот копившаяся в них долгие годы энергия вырвется наружу. Основной задачей этого манифеста было призвать интеллектуальные слои Мексики завязать с мыслями о прошлом и начать жить настоящим. «Смерть отцу Идальго, прочь Сан-Рафаэля и Сан-Лазаро», — писал поэт.
Была в манифесте и цитата футуристического текста, автором которого являлся Филиппо Томмазо Маринетти: «Движущееся авто существенно прекраснее, нежели Победа Самофракии».
Именно при таких обстоятельства зарождался страйдентизм. Это литературно-художественное движение, объединившее европейский модернизм с мексиканскими арт-деко и модерном. Сторонники данного стиля придерживались левых взглядов. Они были регулярными участниками рабочих забастовок, но вместе с этим в их планы не входила романтизация мексиканской революции.
Скорее они желали кардинальных реформ, черпая вдохновение в фольклоре и искусстве доколумбового периода. Страйденисты располагались в коммуне Веракрус, где печатался журнал «Горизонт». В 1927 году они подверглись нападению, после чего временно движение перестало существовать.
Антропофагия, Бразилия, 1920-30-е
Культурная летаргия, в которой на протяжении длительного времени пребывало бразильское общество сильно тревожила Освальда де Анраде. В 1928 году он решил положить этому конец, выдвинув провокационную идеологию — антропофагий (в буквальном смысле — «каннибализм»). По его мнению огромная сила бразильцев должна была заключаться в «поедании» колонизаторов. Андраде говорил, что жителям страны нужно поглощать европейскую культуры с целью уникализации собственного модернизма.
Тарсила ду Амарал, являющаяся супругой Андраде была главным художником в данном течении. Она закончила парижскую школу, а также долгое время перенимала опыт у известно модерниста Фернана Леже, который был родом из Франции. Именно в то время Амарал поняла, что понятие парижского авангарда крайне близко к анархии.
Эти идеи появились в эстетике антропофагии, основной чертой которой являлся индустриальный примитивизм — изображение скучных городских пейзажей и серых построек в ярких красках с долей сюрреализма. Работы в этом стиле очень напоминали сны.
Антропофагия сильно повлияла на многих художников того времени. В особенности это касается тропикалистов, движение которых стало зарождаться на территории Бразилии в 50-х годах прошлого века.
Негритюд, Франция, 1930-е
Негритюд — это известное художественное сообщество прошлого века, появившееся в столице Франции. В неё входили поэты, являющиеся представителями парижской африканской диаспоры. К примеру, Эме Сезар, Леон Дамас и Леопольд Седар Сенгон.
Началом их деятельности стало создание журнала «Черные студент», предназначенного для учеников местных университетов. Публикация дебютного издания состоялась весной 1935. Оно содержало много интересных публикаций, но особое внимание привлекало броское эссе Сезара, которое было ответом на западное прочтение африканской культуры и литературы в частности.
В 1930-х годах данное направление искусства стало привлекать небывалый интерес со стороны парижских жителей. Европейские художники также не оставались в стороне. Они кинулись плодотворно изучать основы африканских танцев и музыки, пытаясь ассимилировать полученную информацию в свои произведения. Благодаря этому стали появляться и развиваться новые форму модернизма.
Негритюд же в свою очередь и вовсе решил перевернуть всё в кардинально другое русло. Художники заявили, что Африка со всеми многочисленными диаспорами является ни чем иным, как сюрреалистической колыбелью, запустившей развитие своей техники сюрреализма. Среди основных сторонников этого процесса были Бен Энвонву, Вифредо Лам и Рональд Муди.
Во времена Великой Отечественной Войны многие из сторонников негритюда были вынуждены выехать из Европы. Сезар оказался на территории Мартиники, где адаптировавшись стал создавать журнал «Négritude». Седар Сенгор переехал в Сенегал. Там его избрали президентом, после чего он создал государственную программу по популяризации течений Негритюда в местных школах искусств. Его творчество стало вдохновением для революционеров. К примеру, для весьма известного в области политика деятеля Амилкара Кабрала.
Египетский сюрреализм, Египет, 1940-е
«Искусство и свобода» — движение поклонников сюрреализма, возникновение которого датировано серединой 30-х годов прошлого столетия. Оно появилось в Каире. В 1937 публикуется манифест «Long Live Degenerate Art» посредством которого они выражают согласие и солидарность с преследованием авангардистов на территории гитлеровской Германии.
Основателем данного движения был поэт Георг Геней из Египта, являющийся автором диспута о самодержавной природе местной культуры. Он вместе с единомышленниками пытался пролить свет на проблему неравенства в египетском обществе. В своих картинах художники часто изображали сцены жестокости. Измученные тела, нередко с отрезанными конечностями… Таким образом они хотели вывести на чистую воду сгнившее изнутри общество Египта, а уже после рассказать обо всём ужасе ВОВ.
Для египетских сюрреалистов был чужд порядок, логика и принятая большинством красота. Изначально художники брали за основу европейский сюрреализм, который продвигал поэт Андре Бретоном вместе с фотографом Ли Миллером. Однако со временем им удалось стать уникальными, создав движение субъективного реализма, которому был присущ собственный стиль, выходящий за привычные границы и обозначения объекта творчества.
«Искусство и свобода» запомнинилось в творчестве огромного количества художников и поэтов, оставив там свой след. К их числу относятся британец Виктор Масгрейв, а также фото художница Ида Кар.
Калькуттская группа, Индия и Бангладеш, 1940-50-е
Калькутта, 1943 год, 8 юных художников с огромными амбициями организуют встречу, главной целью которой является обсуждение проблем индийской живописи. Большинство из них в течение длительного времени являлось последователями Бенгальской школы, но испытав разочарование в беспомощности данного движения признать ценность современного искусства были вынуждены искать другие пути.
Эти художники являлись ярыми революционерами и были против колонизации. Они считали, что индийской искусство обязано в полной мере отражать истинное лицо нации.
Субхо Тагора, Гопала Гозе и Паритоша Сена тревожила одна общая мысль, касающаяся регулярных социально-политических катастроф в Калькутте. Регулярный голод, частые беспорядки, поток беженцев. Всё это являлось следствием раздела субконтинента.
Члены калькуттского сообщества хотели изменений, пытаясь превратить современное искусство в более демократичное течение, избавив его от огромного влияния элитарности.
Раннее творчество художников было направлено на социалистический реализм. На картинах часто изображали «язвы» и проблемы жизни индийцев. Прошло время, и калькуттское сообщество немного сменило курса, начав стремиться к мысли европейцев. В качестве предметов вдохновения использовались работы Пикассо, Матисса, Бранкузи.
Группа прогрессивных художников (PAG), Индия, 1940-50-е
Сообщество художников, которое имело огромное влияние, но к сожалению просуществовало достаточно недолго. Зарождение группы прогрессивных художников датировано 1947 годом в Мумбаи. В этот период Индия перестала являться частью Англии и стала полностью независимой страной.
Главным учредителем сообщества являлся весьма провокационный художник Фрэнсис Ньютон Соуза. Его харизма и непокорность привели к отчислению из школы искусств за рисунки порнографического характера. Среди причин исключения можно назвать и регулярную критику западного академизма с его стороны.
Основным источником вдохновения для Соузы были члены калькуттской группы, которые стремились к продвижению индийского искусства. Вместе с близким другом Сайдом Хайдер Раза, Фрэнсис Ньютон решает запустить новое течение. Оно сочетает авангард и индийскую тематику при наполнении религиозным и мифологическим символизмом.
Вместе с единомышленниками Фрэнсис регулярно проводил встречи в популярном мумбайском ресторане «Четана». Там, в непринуждённой атмосфере они разговаривали о бытие. Часто простые беседы переходили в жаркие дискуссии. К примеру, с Мулком Радж Анандом и Раджой Рао, которые являлись поэтом-националистом и создателем современной англоязычной литературы в Индии соответственно. Чаще всего предметом споров становились разные взгляды на современное искусство Индии.
Последняя выставка этой группы прошла в 1951 году. В это время Соуза и Раза уже давно жили в Европе, а Макбул Фида Хусейн, создавший картину «Без названия» (вошла в коллекцию Джейн и Кито де Бур) был вынужден спасаться бегством из-за регулярных угроз от индуистов. В качестве убежища он выбрал столицу Англии и перебрался в Лондон на постоянное место жительства.
AfriCOBRA, США, 1960-е
Африканская Коммуна Плохих Художников (AfriCOBRA) имела огромное влияние в США. Основание происходил в 1968 году на территории Чикаго. Основной целью группы являлось внесение в мир обновлённой эстетики после жесточайших убийств правозащитником Мартина Кинга и Малкольма Икса.
Джефф Дональдсон, являющийся основателем этой группы издал Эссе «Ten In Search Of A Nation», в котором продемонстрировал собственное видение новой эстетики. Он считал что она обязана сочетать в себе африканское и американское влияние. По его задумки образы должны были иметь оттенки ритма и движения африканской музыки, наряду с яркой и цветной палитрой, которая была характерна с ароматом безалкогольного напитка Кул Айд, производящегося в Америке.
Дональдсон считал, что в искусстве должен быть блеск. Он хотел, чтобы картины сияли, словно только что натёртый хрусталь. Продвигаемую этой группой эстетику неоднократно называли «супер реалистичной». Для людей это был словно праздник. И всё при том, что члены группы не отходили от выбранной стратегии, добавляя в своё творчестве позитивные сообщения для «блэк сообщества». Именно благодаря этом расширялись их права.
Африканская Коммуна Плохих Художников занималась творчеством в течение всей второй половины 20 века, но лишь относительно недавно к группе пришла мировая популярность. Это случилось благодаря таким выставкам как «Душа нации», снова открывшим искусство периода «чёрной силы».
Новое видение (New Vision Group), Ирак, 1960-70-е
Конец 60-х годов прошлого столетия стал знаменательным для Ирака событием. Ведь именно в тот период в стране появляется яркая арт-сцена. Члены социалистической партии Баас, оказавшейся у власти в постреволюционный период в 1968 году, становятся создателями кардинально новой культуры. На этой волне и появляется арт-группа «Новое Видение».
Основателем становится художник Диа Аль-Аззави. Члены группы продвигают идеи панарабского единства, призывая всех к обновлённому арабскому модернизму. По их мнению именно он должен был привести к культурному и идеологическому единству художников.
Со временем так и произошло, т.к. весь арабоязычный мир действительно подвергся объединению и модернизации. Это, в хорошем смысле развязало арабским художникам руки и они получили возможность развивать новые формы искусства.
Члены группы «Нового видения» применяли абстрактность в живописи, которая включала арабский алфавит. Они считали, что именно он являлся символом идеалов панарабизма.
Но несмотря на успех, расцвет иракского искусства продлился недолго. В скором времени баасистский режим трансформировался в диктатуру, что привело к его окончательному увяданию. Последняя выставка группы прошла в Бейруте в 1972 году, и затем произошел распад, а идеолог Аль-Аззави был вынужден бежать в Великобританию.
Борись с цензурой (Fight Censorship), США, 1970-е
Анита Штекель была не из робкого десятка. Она не просто говорила, а делала, чем и полюбилась обществу. Являясь художницей-феминисткой Анита вместе с лучшей подругой Марлоной Брандо неоднократно терпела человеческое лицемерие. Это привело к кардинальным действиям, заключающимся в создании группы Fight Censorship Group, которое произошло в 1973 году. Таким образом Штекель выразила протест и ответила на очередную попытку не дать ей провести выставку собственных работ с названием Rockland Community College, которая должна была проходить в Нью-Йорке.
Анита пыталась показать женское видение секса, неоднократно помещая в собственные работы образы эротического характера. К примеру, на экспозиции в Сафферне зрители могли видеть массу противоречивых работ от этого автора. Больше всего шума наделали изображения мужских половых органов в эрегированном состоянии. Организаторы выступили с предложением цензурирования выставки, на что Штекель ответила отказом, и выразила протес в виде создания сообщества художниц-феминисток с названием Fight Censorship.
Группа создавалась с целью борьбы с дискриминацией женщин, которые в творчестве используют сексуальную направленность. Анита продолжала протест и стала отправлять гневные письма в различные издания. В них она писала, что если мужской половой орган в состоянии эрекции достоин находится внутри женщины, то он вполне заслуживает быть выставлен и во всех музеях мира.
Вместе с критиком, Анита нашла и соратников. Под её словами подписались Луиза Буржуа, Ханна Уилк и Джоан Семмель. В конечном итоге сообщество Штекель вышло победителем из данной войны. Аните удалось заставить историков и кураторов переосмыслить историю западного искусство, подняв вопросы об отсутствии в нём женских взглядов на различные проблемы.
Сусализм
Уже из названия понятно, что это направления искусства связано с использованием сусального золота. Первые упоминания о его применении датированы ещё 300 годом до н.э. Известно, что тогда в Китае было налажено производство золотых пластин, которые в последующем применялись художниками и архитекторами. С того времени прошло много лет, а сусализм не потерял популярности. В России это движение возродил художник Алексей Зимин. Сейчас искусство заключается в использовании при написании картин сусального металла. Чаще всего это слои золота, толщиной не более 0,1 микрона. Их наносят на картину, а после закрепляют там при помощи специального клея. Благодаря такой технике у зрителя создаётся впечатление, что вся картина или другой предмет искусства полностью выполнен из металла, хотя он покрыт лишь тончайшим слоем.
Всё это при том, что данный стиль совсем не подвергается критике. Многие из членов мирового сообщества художников испытывали определённый кризис в плане идей, и пытались найти что-то новое для творчества. Сусализм как раз способен вдохнуть им новую жизнь. Возможно, в ближайшее время работы выполненные в данном стиле станут чем-то кардинально новым в мире искусства и позволят обществу взглянуть на него совершенно с другой стороны. Такого мнения придерживаются и культурологи, которые заявляют, что в ближайшие 10-15 лет большая часть картин будет создаваться именно с применением данной техники.
Ведь помимо привлекательности, использование золота имеет и ещё одно преимущество. Оно не подлежит окислению, как многие металлы. А это говорит о том, что даже по истечение столетий произведения искусства не будут выцветать и останутся такими же яркими, как и на момент создания. Это безусловный плюс для коллекционеров.
Репрезентизм
Характеризуют представленный стиль всего 2 слова — завершённая незавершённость. Направление является кардинально новым, т.к. было создано лишь в начале 21 столетия. Основная суть этого стиля состоит в том, что автор находится в союзе не только с полотном, но и со зрителем. Художник специально не завершает картину, оставляя в незаконченном состоянии один или несколько элементов. Таким образом он оставляет зрителю место для полёта фантазии, позволяя самостоятельно дополнить общую картину по своему мнению.
Каждый из зрителей может увидеть одно и то же произведение кардинально по-разному, и у каждого возможен кардинально различающийся итоговый образ. Художник, работающий в стиле репрезентизма не только привлекает внимание к сюжету либо проблеме изображённой на картине, но и побуждает зрителя самостоятельно осмыслить произведение, добавив в него собственное мнение.
Впервые о данном стиле упомянул Алексей Зимин в 2016 году. Он решил создать произведение искусства и привлёк к этому процессу зрителей. По мнению Зимина творчество должно приносить не только эстетическое удовольствие и пользу, но и предоставлять человеку возможность осознать собственное участие в создании конечного варианта картины.
Эти мысли и стали началом создания репрезентизма, который стал новаторским стилем в сфере современного изобразительного искусства. Многие художники вносят свои правки, пытаясь совмещать репрезентизм с другими техниками и направлениями, создавая уникальные натюрморты и портреты.
Уже сейчас можно с уверенностью сказать, что это достаточно перспективный стиль, позволяющий передать глубину пейзажа при том, что формирование конечного образа остаётся за зрителем.
Однако, некоторые эксперты подвергли это направление критики. Они посчитали, что репрезентизм не может считаться полноценным стилем в живописи заявив, что зритель всегда должен быть зрителем, а не принимать участие в завершении картины. Но несмотря на это стиль продолжает набирать популярность, и вероятно всего не утратит её в ближайшие несколько десятилетий.